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Por Richard Meyer

O Dr. Meyer é professor de história da arte na Universidade de Stanford.

O Supremo entendeu errado.

Em uma recente decisão de 7 a 2, o tribunal decidiu que Andy Warhol infringiu os direitos autorais de Lynn Goldsmith quando, em 1984, usou a fotografia dela do pop star Prince como imagem de origem para uma série de retratos em serigrafia. Do ponto de vista legal, a decisão foi relativamente estreita: ela se concentrou no fato de que a Fundação Warhol havia licenciado o "Príncipe Laranja" de Warhol para reprodução em uma revista, o mesmo propósito que Goldsmith estabeleceu para a fotografia original. Ela era, portanto, devida parte dessa taxa de licenciamento.

Como historiador da arte e estudioso de Warhol, fui solicitado a escrever um amicus brief em nome da Fundação. Argumentei que os retratos de Warhol transformaram a fotografia de Goldsmith (em escala, composição, meio, cor e efeito visual geral) a tal ponto que se qualificaram como "uso justo", uma doutrina que, em nome da liberdade de expressão, permite a adaptação de materiais protegidos por direitos autorais sob condições particulares.

Há muito sobre Warhol e a questão da originalidade, no entanto, que deixei de fora do meu resumo. Agora que o caso foi decidido, posso compartilhar o que não disse à Suprema Corte. Mais notavelmente, eu não disse que o uso justo, embora necessário como doutrina legal, não faz nada para nos ajudar a entender a arte de Warhol.

Ao longo de sua carreira, o artista não se preocupou com direitos autorais, mas com o direito de cópia, que ele via tanto como um método criativo quanto como um projeto de vida.

Em uma entrevista de 1963, Warhol comentou: "Acho que alguém deveria ser capaz de fazer todas as minhas pinturas para mim." Embora não terceirizasse todas as suas pinturas, frequentemente arranjava amigos e assistentes para cumprir alguma parte do processo artístico, seja impressão, recorte, titulação ou até mesmo a concepção de sua obra. "Nunca tive vergonha", comentou certa vez, "de perguntar a alguém, literalmente, 'O que devo pintar?' porque o Pop vem de fora" - o que significa que surgiu de ideias e imagens externas, e não da visão única do artista. "E como pedir ideias a alguém é diferente de procurá-las em uma revista", disse Warhol.

Sua confiança em fontes externas se estendeu muito além de sua arte. Quando se cansava de ser ele mesmo, Warhol às vezes pedia a outros que assumissem o papel. Em 1967, ele contratou o ator Allen Midgette para aparecer como Warhol em uma turnê nacional de palestras. Quando, após as primeiras palestras, o estratagema foi exposto, Warhol respondeu: "Ele era melhor nisso do que eu". Do ponto de vista do artista, Midgette não era apenas melhor em fazer comentários e responder a perguntas do público. Ele era melhor em ser Warhol.

A cópia que excede o original foi um componente central da sensibilidade de Warhol. Ele repetiu e refez fotografias encontradas em pinturas vibrantes e impressões que foram repetidas com vários graus de diferença visual. Quando ele surgiu na cena da galeria na década de 1950, a reprodução de imagens populares e de consumo em belas artes era considerada indescritivelmente vulgar. Em poucos anos, no entanto, tanto o mundo da arte quanto a esfera comercial reconheceram o valor do pop.

Uma anedota que costumo contar aos meus alunos é relevante aqui: em 1967, a Campbell's Soup Company enviou uma carta à Random House, que logo publicaria um livro sobre Warhol que incluía várias reproduções de suas famosas pinturas em latas de sopa. De acordo com a carta, a empresa não viu nenhum conflito de direitos autorais entre o logotipo da Campbell e seu reaproveitamento pelo artista. (Na verdade, suas pinturas foram boas para os negócios.) Uma ressalva importante, entretanto, foi especificada: Warhol não poderia pintar cópias do logotipo em latas de sopa reais, pois isso o colocaria em competição direta com a empresa. Warhol ficou feliz em obedecer. Afinal, ele estava fazendo arte, não sopa.